Quello di Scott Cooper è un western solido, che guarda verso un'idea di comunità e integrazione.
Speriamo che "Un Sogno Chiamato Florida" porti a Sean Baker l'attenzione che merita. Perché, davvero, se la merita.
Non indovina mai il ritmo giusto, Ava DuVernay, e il risultato del suo film è che fa venire voglia di piegare davvero il tempo, ma per mandarlo avanti fino ai titoli di coda.
Craig Gillespie gira intorno al cinema coeniano tirando fuori un film non perfetto, ma godibile, curioso e con una inaspettata Margot Robbie.
La trilogia di frontiera di Taylor Sheridan si conclude con lui dietro la macchina da presa e un grande film realizzato.
Adatta il romanzo di André Aciman, Guadagnino, basandosi sulla sceneggiatura scritta da James Ivory (che avrebbe dovuto dirigere il film, inizialmente), alla quale rimette mano conformandola verso la cifra stilistica che più gli appartiene. Un lavoro obiettivamente esemplare, che sa come prendersi le sue libertà senza modificare o alterare lo spirito di un romanzo di formazione che, dentro, ha però anche l’equilibrata sensibilità per poter accarezzare le pulsioni di una relazione d’amore, intensa e passionale, vissuta al riparo da occhi indiscreti - e quindi fuori campo – perché non propriamente adatta alle regole e alle convenzioni sociali – per quanto borghesi – in vigore all’epoca. Un'epoca - quella di inizio anni '80 - che Guadagnino non perde occasione per mostrarci quanto politicamente e culturalmente (ma lo ha detto a chiare lettere) sia stata, in realtà, importantissima per andare a porre quelle basi sulle quali, poi, più avanti, si comincerà a edificare pian piano: e ce lo mostra, non tanto coi discorsi a tavola su Craxi o con i monologhi di Beppe Grillo in televisione, ma tramite una coppia gay che, con grande normalità, a un certo punto fa capolino, abbattendo tutte o quasi le barriere che, fino a un attimo prima, credevamo solidissime.
Eccolo il filo nascosto a cui fa riferimento il titolo, allora, quello che si cela dietro alla parabola di Woodcock: lo stilista considerato praticamente un Dio - e interpretato (da Dio) da Daniel Day-Lewis – che un giorno perde la testa per una donna più giovane di lui, la quale ricambia, salvo ritrovarsi poi incastrata a fargli da musa ispiratrice, ma senza ruolo effettivo (amante / compagna / donna) da ricoprire all'interno dello sfarzoso palazzo che da ex-cameriera la accoglie e la coccola. E’ proprio lei, del resto (una straordinaria Vicky Krieps), ad aprire il racconto; a descrivere l’uomo a cui ha donato ogni pezzo di se come un bambino esigente, un bambino - vedremo in seguito – capriccioso, sposato - di fatto - col proprio lavoro, incapace di abbandonarsi al piacere e di prendere le distanze da un talento che lo obbliga a ergere muri, a isolarsi e a farsi freddo col mondo. Una routine che guai a spezzarla, guai a modificarla o, magari, a toccarla; il segreto del successo: autorizzata a essere interrotta esclusivamente dal malessere, ovvero da quel crollo fisico che se lavori troppo viene a dirtelo bussando alla porta, di tanto in tanto.
Perché a Virzì, magari, gli puoi imputare di essere moderato in personalità, di aver diretto una storia andando incontro più ai canoni americani che a quelli delle sue corde, ma guai a contestarlo sotto l’aspetto della sensibilità, perché quello davvero non potrebbe eclissarlo neppure sotto tortura. Sono i piccoli gesti, gli sguardi, alcune battute dolcissime e che – quelle si – sanno essere inconfondibili e identificabili all’istante, allora, a permetterci di riconoscere la sua mano in “Ella & John: The Leisure Seeker”, momenti contati, brevi probabilmente, però sufficienti abbastanza per farci emozionare, seppur un pizzico e appena, appena. E ciò che sorprende di più è che questi non avvengano mai in maniera scontata, mai con l’intenzione di approfittarsi di una tematica che avrebbe potuto concedere, in tal senso, terreno fertilissimo e ricattatorio, ma sempre privilegiando, invece, la spontaneità e il desiderio di rendere autentica una storia d’amore romantica e eterna.
Ci porta nei luoghi della sua infanzia, infatti, Greta Gerwig, per esordire alla regia con una pellicola (semi)autobiografica capace di raccontare con grande aderenza i conflitti interni, i capricci e i rapporti con un mondo esterno - considerato ostile, in tutto e per tutto - che possono invadere la vita di una ragazza (o ragazzo) di periferia, pronta ormai ad essere lanciata verso le porte enigmatiche dell’età adulta. Un percorso non molto distante da quello che l'ha riguardata personalmente, sviscerato con la maturità intima e artistica, raggiunta solo nel corso degli anni, che gli permette, ora, di potere avvicinarsi alla ragazzina che era (?) ponendosi esattamente alla giusta distanza: distribuendo perciò con molta cura la drammaticità e l’ironia di una storia passionale e impetuosa come la protagonista (esemplare) che la fa da padrona, ma che ha anche il grosso pregio di andare a centrare, di rimbalzo, la mentalità e le radici di un luogo che, pur facendo parte degli Stati Uniti, culturalmente e civicamente, pare essere lontano anni luce dal progresso.
Pur senza eccedere con gli entusiasmi, infatti, - a meno che non abbiate un rapporto di amore immenso con il regista e sceneggiatore messicano (io non ce l'ho, per esempio, e quando dico che "Il Labirinto Del Fauno" non lo trovo un gran film, spesso, mi guardano male) non ci metterete molto ad ammettere e ad avvertire che "La Forma Dell'Acqua: The Shape Of Water" rappresenta un po’ oggettivamente, per Del Toro, la quadra proporzionata di uno stile, in passato, frequentemente sbilanciato, poco costante e distratto. Una sorta di maturità artistica incompleta che lo porta a maneggiare con professionalità e sicurezza i vari generi, a utilizzare sapientemente l’arma inaspettata e pericolosa (in un film così, più che altro) dell’erotismo, eppure a mancare nuovamente l’appuntamento con una visceralità, raccontata, magari, in maniera precisa e sicura, ma incapace di venir fuori dallo schermo per avvolgere i nostri stomaci e i nostri cuori.
L'egoismo umano che non la smette di imporsi e di riciclarsi, quindi, di rendersi protagonista condannandoci sardonicamente a morte, fiero della sua solita insensibilità e spietatezza che forse non è neppure da valutarsi ingiusta o gratuita, se confrontata ai nostri egocentrici e stupidi comportamenti. Eppure no, non è proprio così, o perlomeno non lo è nella misura in cui ci si aspetterebbe da un film con un incipit come quello di “Downsizing: Vivere Alla Grande”. Questo perché Payne non ce la fa a voltare le spalle alla sua furbizia, a non farsi persuadere da quell'indole che gli sussurra, ogni volta, di ricordarsi che col pubblico è molto meglio, nonché produttivo, essere accomodante e simpatico: bastone, si, ma anche carota. Tanta carota. Troppa carota. Perciò, quella che poteva diventare un’acuta riflessione su di noi, sull'essere umano, allestita dal punto di vista antropologico, filosofico e grottesco, finisce col prendere pieghe incomprensibili e tramutarsi in un miscuglio eterogeneo e sconclusionato, utile solo a indebolire i punti di forza di una storia che nel suo primo spaccato aveva dimostrato di avere tutti i presupposti per ambire in alto e per lasciare il segno.
Del resto non poteva essere altrimenti, è una questione, appunto, di credibilità, di limitare il ridicolo, di giustificare uno spettacolo a cui mancherebbe sennò la terra sotto i piedi; uno spettacolo che, per quanto gratuito, gonfiato e composto per essere in sintonia con chi ne andrà a usufruire e a godere – ovvero persone disinteressate al pelo nell’uovo - non può fare a meno di quel briciolo di attenuanti, a grandi linee accettabili e capaci di reggere il gioco.
Capite facilmente, quindi, che il “Mayhem” di Joe Lynch nasce per palesarsi a noi spettatori un po’ come una catarsi, come una droga psichedelica capace di pompare adrenalina, provocare eccitazione e voglia di riscatto, facendoci sentire, oltre che meno soli, la testuggine di quella rivoluzione che abbiamo in testa, ma a cui manca la scintilla di follia per deflagrare e farsi ascoltare. Tutto il contrario, insomma e per fortuna, di quello che accade al personaggio di Yeun e a colei che - a un certo punto, e cioè quando questo famoso virus invade lo stabile in cui si trovano - diventa la sua partner di botte e di vendetta (e di sesso): una Samara Weaving (nipote di Hugo, l’Agente Smith di “Matrix”) bravissima, letale e tremendamente sensuale. Saranno loro, infatti, - vittime di una follia che vale la pena cavalcare forte - che armati di pistola spara-chiodi, pinze, martelli e altri oggetti di recupero andranno a scalare i piani del grosso palazzo blindato, trasudante ira, per affrontare uno dopo l’altro i componenti di quella piramide di potere che, come nei videogiochi, più converge verso la punta e più va a complicarsi negli ostacoli a cui far fronte: aumentando di difficoltà e di rischio.
